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ECC ediciones anuncia la presencia en su stand del artista Mark Buckingham
Protagonista de una dilatada y exitosa carrera, que le ha valido el reconocimiento de crítica y público, Mark Buckingham empezó en 1987 ilustrando artículos de Neil Gaiman para la revista satírica The Truth antes de cruzar el charco y labrarse una reputación impecable en el cómic estadounidense
Su debut en Estados Unidos llegó al año siguiente como entintador de Hellblazer de la línea Vertigo de DC Comics, donde asumió las labores de dibujante a partir del número 18. Para Marvel trabajó en la serie Generación X, entintando los lápices de Chris Bachalo, Ghost Rider 2099, Doctor Extraño, Star Trek y en Peter Parker: Spider-Man de Paul Jenkins. También colaboró de nuevo junto a Gaiman en las páginas de Miracleman, en unos ejemplares originalmente publicados por Eclipse Comics.
En su regreso a DC Comics ha entintando las dos miniseries de Muerte, carismático personaje de Sandman, participado en algunas entregas de Los Invisibles y Batman: Black and White, y dibujado la serie de los Titanes. Aunque el trabajo que le ha reportado mayor popularidad ha sido la serie Fábulas, en la que ha dibujado la mayoría de los guiones de la aclamada versión que Bill Willingham ha hecho del venerable canon de los cuentos de hadas. De Blanca Nieves a Lobo Feroz, pasando por Ricitos de Oro o Chico de Azul, las gentes de los viejos cuentos renacieron como exiliados que viven camuflados mágicamente en la Villa Fábula de Nueva York. Por su trabajo en esta serie, Buckingham ha sido galardonado con el premio Eisner en los años 2003, 2005, 2006 y 2007. Asimismo, ha formado parte como escritor del equipo creativo del spin-off de Fábulas, Fabulosas. Por otro lado, junto a Peter Gross, dibujó el crossoverLas Fábulas no escritas de The Unwritten, también publicado por ECC Ediciones.
La visita de Mark Buckingham coincidirá en el tiempo con la publicación en nuestro país de una nueva entrega de la edición de lujo de Fábulas: Fábulas: Edición de lujo – Libro 11
ECC ediciones anuncia la presencia en su stand del artista Mark Buckingham
Protagonista de una dilatada y exitosa carrera, que le ha valido el reconocimiento de crítica y público, Mark Buckingham empezó en 1987 ilustrando artículos de Neil Gaiman para la revista satírica The Truth antes de cruzar el charco y labrarse una reputación impecable en el cómic estadounidense
Su debut en Estados Unidos llegó al año siguiente como entintador de Hellblazer de la línea Vertigo de DC Comics, donde asumió las labores de dibujante a partir del número 18. Para Marvel trabajó en la serie Generación X, entintando los lápices de Chris Bachalo, Ghost Rider 2099, Doctor Extraño, Star Trek y en Peter Parker: Spider-Man de Paul Jenkins. También colaboró de nuevo junto a Gaiman en las páginas de Miracleman, en unos ejemplares originalmente publicados por Eclipse Comics.
En su regreso a DC Comics ha entintando las dos miniseries de Muerte, carismático personaje de Sandman, participado en algunas entregas de Los Invisibles y Batman: Black and White, y dibujado la serie de los Titanes. Aunque el trabajo que le ha reportado mayor popularidad ha sido la serie Fábulas, en la que ha dibujado la mayoría de los guiones de la aclamada versión que Bill Willingham ha hecho del venerable canon de los cuentos de hadas. De Blanca Nieves a Lobo Feroz, pasando por Ricitos de Oro o Chico de Azul, las gentes de los viejos cuentos renacieron como exiliados que viven camuflados mágicamente en la Villa Fábula de Nueva York. Por su trabajo en esta serie, Buckingham ha sido galardonado con el premio Eisner en los años 2003, 2005, 2006 y 2007. Asimismo, ha formado parte como escritor del equipo creativo del spin-off de Fábulas, Fabulosas. Por otro lado, junto a Peter Gross, dibujó el crossoverLas Fábulas no escritas de The Unwritten, también publicado por ECC Ediciones.
La visita de Mark Buckingham coincidirá en el tiempo con la publicación en nuestro país de una nueva entrega de la edición de lujo de Fábulas: Fábulas: Edición de lujo – Libro 11
La dibujante de Marvel firmará ejemplares de su obra este próximo sábado 5 de noviembre en la librería MilCómics
Moon Girl ha ganado el Glyph Award al mejor personaje femenino del año en el mundo del cómic
¿Hay sitio en Marvel para nuevas superheroínas? La respuesta es sí, y la prueba es Lunella Lafayette, la aventurera niña protagonista de ‘Moon Girl y Dinosaurio Diabólico’. Esta sorprendente revisión de un clásico de la editorial, dirigida a un público infantil y adolescente, cuenta con el dibujo de la española Natacha Bustos. La artista protagonizará una sesión de firmas este próximo sábado 5 de noviembre, a las 18:00, en la librería zaragozana MilCómics (Avda. San José, 15).
En 1978, Jack Kirby, el ‘Rey’ de los ‘comic book’, creó para Marvel ‘Moon-Boy y Dinosaurio Diabólico’, un tebeo que buscaba competir en el campo de las historias ambientadas en una suerte de prehistoria fantástica. A pesar de su corto recorrido, esta serie caló en el imaginario de los aficionados, así que era cuestión de tiempo que la editorial la rescatara. Ha ocurrido en este 2016, y con sorpresa: el Dinosaurio sigue ahí, pero ahora quien lo acompaña es Moon Girl, una niña afroamericana de 9 años con una inteligencia fuera de lo común.
A diferencia del original en el que se inspira, ‘Moon Girl y Dinosaurio Diabólico’ transcurre en las calles del Nueva York actual y tiene un discurso totalmente pegado a la sociedad del siglo XXI. Tanto es así que la niña protagonista ha recibido el premio a mejor personaje femenino en los Glyph Awards, unos galardones que reconocen los cómics hechos “por, para y acerca de” las personas de color.
Los encargados de realizar este cómic han sido Brandon Montclare y Amy Reeder a los guiones y Natacha Bustos (Ibiza, 1981) a los lápices. La dibujante española ha dado con esta obra su salto al mercado estadounidense, tras firmar en España la novela gráfica ‘Chernóbil – La Zona’ y el webcómic ‘Caniculadas’ -Mejor Web Cómic en los Premios del Cómic Aragonés de 2013-.
“Me siento muy afortunada de estar en los lápices de la creación de un nuevo personaje de Marvel como Lunella. Es irreverente, valiente y superlista, ¡la más lista del Universo Marvel! Además, visualmente, por ser niña y afroamericana, le da un soplo de aire fresco a la franquicia”, señala Bustos sobre su participación en este título.
Panini Cómics acaba de editar en España el tomo que recopila los seis primeros números de la serie ‘Moon Girl y Dinosaurio Diabólico’. Natacha Bustos lo presentará el sábado 5 de noviembre a las 18:00 en MilCómics, en compañía del dibujante zaragozano David López. Para aquellos aficionados que no puedan estar presentes, la librería pone a su disposición la posibilidad de reservar ejemplares firmados a través de su web, milcomics.com.
Animaficx contará con los últimos trabajos de Bill Plympton, Sébastian Laudenbach o del tándem Dudok de Wit-Ghibli
AnimaFICX sigue tomando el pulso a este arte con una meticulosa selección que sintetiza los distintos caminos explorados tanto por maestros de la animación como por nuevos talentos. En la 54 edición del FICX, esta sección competitiva sigue manteniendo el espíritu híbrido de su origen, pero redundando en las nuevas posibilidades técnicas y narrativas de un formato que no entiende de límites y que en cada edición atrae a más público a Gijón. Este año concursarán en AnimaFICX siete títulos: desde la más reciente producción del estudio Ghibli a lo último de un gurú indie como Bill Plympton.
En la 5ª edición de AnimaFICX competirán películas de línea vanguardista, universos gráficos de trazo crudo o delicado, inequívocos homenajes estéticos, 2D, rotoscopia… Historias que salen de la imaginación de escritores del XVIII o de la crónica más negra del XX, relatos que indagan en inquietudes vitales como la muerte o la lucha por la propia identidad cultural. Por eso esta sección es una gran oportunidad para descubrir las rutas más nuevas que directores y artistas están abriendo en el mundo de la animación, estilo que, además, estará presente en el resto de la programación de la 54, en secciones como Enfants Terribles (Savva, Blinky Bill, The Movie y Molly Monster), Géneros Mutantes (Seoul Station) y Gran Angular (Ma vie de Courgette).
El jurado de la 5ª edición de AnimaFICX estará formado por la realizadora rumana Anca Damian, la directora española Isabel Herguera y el ilustrador y director japonés Fumio Obata.
La competición
Revengeance, de Bill Plympton y Jim Lujan. El concurso vuelve a contar con el rey de la animación indie (Cheatin’ triunfó en AnimaFICX en 2013) y director al que Gijón le dedicó una retrospectiva en su 52 edición. En esta ocasión, sus seguidores tendrán la oportunidad de ver su primera película co-dirigida con el animador Jim Lujan. Este tándem creativo presenta una historia de un cazarrecompensas que se apoya en el código negro clásico de Chandler y en títulos como El Gran Lebowski o Pulp Fiction, y en la que no faltan pandillas de moteros, polis corruptos y sed de sangre. Y todos a través de dibujos crudos y cargados de simbolismos. Plympton, que ha visto reconocido su talento con una Palma de Oro en Cannes y en festivales como Annecy, Fantasporto o Sitges, y Lujan dirigieron esta película con ayuda del cada vez más necesario micromecenazgo (lograron más de 90.000$). Como curiosidad: Jim Lujan puso voz a la mayor parte de los personajes de esta venganza animada.
La Tortue Rouge, de Michaël Dudok de Wit. El FICX vuelve a contar con una producción de la factoría Ghibli que enamora allí por donde pasa. Premio Especial del Jurado en el último Un Certain Regard de Cannes, esta película sutil y hermosa nos arrastra a una isla desierta a la vez que a su protagonista, un náufrago cuya historia tejieron entre el oscarizado Dudok y la guionista Pascale Ferran. Muda, poética y con colores magníficos, La Tortue Rouge es la primera película de un director no japonés coproducida por Ghibli: Hayao Miyazaki se fijó en este director holandés por la premiada Padre e hija (por la que logró un Oscar, un Bafta…). Llegar a este trabajo conjunto fue cuestión de (poco) tiempo. Juntos han compuesto una cinta deliciosa repleta de planos sublimes, al más puro estilo del estudio japonés, y momentos delicados, líricos, inolvidables. Algún crítico ha dicho que La Tortue Rouge ya es un clásico de la animación.
The Girl Without Hands, de Sébastian Laudenbach. Algún crítico escribió tras ver esta película minimalista que es uno de los más bellos descubrimientos del año. Basado en uno de los cuentos menos conocidos de los hermanos Grimm, La niña sin manos es un trabajo de animación entre la estampa y el teatro de sombras, tintado de poesía, con un uso fauvista del color, manchas delicadas y expresivas rayas que recuerdan la caligrafía japonesa. En su primer largometraje de animación, Laudenbach no edulcora la crueldad de los hermanos Wilhelm y Jacob, dejando que observemos un mundo que permite a los padres ser verdugos de sus hijos. Pero lo hace con gran sensibilidad, a la que colabora la exquisita banda sonora compuesta por Olivier Mellano.
Tower, de Keith Maitland. Este documental animado llega a Gijón con varios premios internacionales (Dallas, SXSW). El director reconstruye la matanza ocurrida en la Universidad de Texas en 1966, pero lo hace desde los testimonios de siete testigos. Los recuerdos de los supervivientes marcan la película, dejando a un lado los motivos que tuvo el estudiante de Ingeniería Charles Whitman para asesinar a 14 personas y herir a otras 32. El resultado es un documental reflexivo y tenso en que funde suspense e investigación periodística.
Window Horses, de Ann Marie Fleming. Esta directora canadiense encontró en la actriz Sandra Oh (Globo de Oro por Anatomía de Grey) la colaboradora necesaria en la producción de la historia de una poetisa canadiense, de padre iraní y madre china, que viaja a Irán para participar en un festival de poesía. El micromecenazgo hizo posible esta aventura animada que defiende la importancia de ser curioso, el amor a la familia y a la propia cultura y la pasión artística. Una docena de animadores participaron en este largometraje premiado en Toronto y Montreal para que quedaran diferenciadas las distintas culturas, filosofías, épocas y poemas que se asoman a esta ventana.
In This Corner of The World, de Sunao Katabuchi. Una semana después de su estreno en las salas japonesas, competirá en el FICX esta película basada en el manga homónimo de Fumiyo Kono que cuenta la historia de una joven que inicia su vida de casada en un pueblo de la prefectura de Hiroshima en la década de los cuarenta. No es el primer título de anime que se acerca a la devastación atómica sufrida por la ciudad el 6 de agosto de 1945, pero sí es la primera que tiene un mensaje positivo y edificante porque, según explica el propio Katabuchi, la vida cotidiana continúa incluso en tiempo de guerra. Con sus dos anteriores largometrajes, este director consiguió distinciones en festivales como el Tokio Anime y los aficionados le conocen por su faceta de guionista en series como Black Lagoon.
Manang Biring, de Carl Joseph Papa. Esta película es la primera de animación rotoscópica hecha en Filipinas. Papa enfoca a una enferma terminal que ya ha aceptado su fallecimiento inminente, pero le insufla un poco más de vida, la suficiente para pasar con su hija y nieto una última Navidad. Este director sigue explorando su fascinación por el mundo de los ancianos (que plasmó en su primer corto con animación de plastilina) y reconoce influencias como Michael Haneke y Woody Allen.
El Festival Internacional de Cine de Gijón (19-26 noviembre) está organizado por el Ayuntamiento de Gijón, a través de Divertia Gijón S.A. Patrocinan el Ministerio de Cultura, la Conseyería D’Educación y Cultura del Gobiernu del Principáu D’Asturies. Colaboran Liberbank, Cocacola, TPA, AC/E, Telecable, TCM, SGAE, Ecoembes, Iberia, Renfe, Alsa, KIA, Two Monkeys, Mahou, Buena Vida, Toma 3 y Varsovia.
Halloween dicta la temática del programa de hoy. Repasamos varios tipos de juegos ideales para la ocasión, empezando por videojuegosgore, asquerosos y que te harán pasar un mal rato, pasando por el terror psicológico y también juegos de terror donde dispones de tu arma y habilidad para plantarle cara a todos esos horrores. Se recomienda apagar la luz, un ambiente silencioso y un buen equipo de sonido; vivirás la experiencia de terror mas real posible.
Como pensamos en todos, también hablamos de aquellos juegos de ayer y hoy que respetan este género pero permiten a aquellos más miedosos a la vez que curiosos disfrutar de muy buenas opciones.
Y para el que valla con amigos a todas partes están esos juegos de zombis multijugador que merecen especial atención. ¿de que sirve morir de forma ridícula o hacer la racha de tu vida si no hay nadie para reírse contigo.
Aparte de los juegos de este género los grandes títulos hacen un pequeño esfuerzo para introducir eventos con la temática de Halloween y sacarnos de la rutina con mayor o menor acierto y otros con ganas de vaciarnos la cartera.
Por último no podemos olvidarnos de contar que el próximo domingo día 6 habrá un programa especial donde analizaremos todas las novedades de la Blizzcon 2016, no te lo pierdas.
Ninja Turtles: Fuera de las sombras no tuvo el éxito esperado. ¿Por qué?
Los productores de ‘Ninja Turtles: Fuera de las sombras’ no se explican por qué la película obtuvo unos resultados tan malos. La primera entrega de 2014 casi llegó a los 500 millones de dólares. Mientras que la segunda parte estrenada este año, no llegó ni a la mitad. Y eso que le añadieron más personajes clásicos como Casey Jones, Rocksteady, Bebop o Krang. Además contaban con actores como Megan Fox, Will Arnett o Stephen Amell.
Los productores reflexionan sobre qué pudo ocurrir.
“Nos sorprendió, obviamente, los resultados de taquilla. Estabamos encantados con la película. Nos encantó hacer la película. Desde nuestro primer teaser de la Super Bowl, sentimos muy buenas vibraciones acerca de nuestro material. Por alguna razón no a la audiencia que vio la primera película. Y hablamos de eso todo el tiempo. Tratamos de resolverlo, pero no podemos averiguar que pasó. Realmente no se puede. Es sólo una de esas cosas en las que creemos que hemos hecho una película realmente grande. Nosotros añadido todos estos nuevos personajes con Bebop, Rocksteady y Baxter Stockman además de Casey Jones”.
“Dos días antes del estreno pensamos que la película no tenía el seguimiento que debía. Entonces esperas y te das cuenta que el jueves por la noche no alcanza los números de la primera. Luego ves el resultado del primer fin de semana y ni de lejos es el mismo que la primera película. Todavía estamos muy orgullosos de la película; simplemente no se encontró una audiencia”.
Los número son los siguientes: La primera consiguió en su primer fin de semana 65 millones solo en Estados Unidos. La segunda 35 millones.
¿Aprendieron algo de la experiencia de hacer ‘Ninja Turtles: Fuera de las sombras’?
“Creo que una cosa que aprendimos es que simplemente añadir personajes a película y esperar que eso sea lo que más novedoso. Es una secuela. Hay que darle el público algo que es realmente nuevo y fresco. Tal vez sólo añadir personajes conocidos no sea suficiente”.
“Nos propusimos hacer algo más colorido y divertido. Añadimos todos estos divertidos personajes que la gente conoce. Dave Green dirigió perfectamente e hizo una gran película, así que sentimos que hemos logrado lo que propusimos. Simplemente no se encontró una audiencia”.
También hay otra forma de verlo. La primera película era bastante mala. Pero gracias a la publicidad se consiguió llevar a la gente al cine. Pero una segunda vez ya es más difícil engañarlos. Demasiados efectos especiales, demasiadas escenas de acción recargadas. Este año 2016 algo nos ha enseñado: Las secuelas innecesarias e infumables no funcionan. Sino que se lo digan a ‘Independence Day 2’ o ‘Las crónicas de Blancanieves: El cazador y la reina del hielo’.
Por último descartan una tercera entrega. Pero quizás en el futuro se replanteen hacer una nueva película sobre las Tortugas Ninja.
Saldrá a la venta una versión extendida de Escuadrón Suicida podremos ver mucho más Joker que en el cine.
La película de Escuadrón Suicida tendrá una versión más extendida, donde podremos ver más escenas entre Joker y Harley Quinn.
A continuación os dejamos el tráiler de la versión extendida de Escaudrón Suicida (Suicide Squad). Saldrá a la venta a partir del 15 de noviembre. En el vídeo podemos ver escenas nuevas. Sobre todo de la relación entre Joker (Jared Leto) y Harley Quinn (Margot Robbie). También a Kanata (Karen Fukuhara) la podremos ver sin máscara, algo que en la película del cine no sucedió. Además la escena del bar es diferente.
El montaje no acabó de gustar a todo el mundo. Esperemos que ahora hayan corregido cosas. Pero nos tememos que si no te gustó la película, esta versión no te hará cambiar de idea. Aunque quizás la relación entre Joker y Harley Quinn esté mejor explicada.
La película es un éxito mundial.
A pesar de que tuvo bastantes malas críticas, la película ha recaudado más de 744 millones de dólares. Dirigida por David Ayer contaba con un reparto de auténtico lujo encabezado por Will Smith, Margot Robbie, Joel Kinnaman, Viola Davis, Jai Courtney, Jared Leto, Cara Delevingne, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Jay Hernandez, Karen Fukuhara, Adam Beach, Scott Eastwood, Jim Parrack, Ike Barinholtz, Common, Ben Affleck, Corina Calderon, Alex Meraz, David Harbour y Ezra Miller.
Como cada vez están apareciendo más metahumanos y Superman es tan fuerte que podría ser una amenaza, el gobierno de Estados Unidos decide formar un grupo de choque. Cogen a los peores criminales que existen y forman un escuadrón para las misiones más peligrosas. Así deberán aprender a trabajar en equipo para frenar a la Encantadora y su místico poder.
¿Os gustó Escuadrón Suicida? Dejarnos vuestros comentarios a continuación.
La saga de películas de Rambo tendrá un reinicio, además ya han confirmado al director. Nu Image / Millennium Films están planeando hacer el reboot con el director israelí Ariel Vroman (El Hombre de Hielo, Criminal). Brooks McLaren será el guionista.
El objetivo de la nueva película es rehacer el papel creado en 1972 en la novela de David Morrell ‘First Blood’ y popularizado en las cuatro películas protagonizadas por Sylvester Stallone (1982, 1985, 1988 y 2008). Este reinicio continuaría las aventuras del personaje con un nuevo actor, aunque no han dicho si planean para mantener la película orientada hacia un veterano de Vietnam o si se ajustará más a la actualidad y se centrarán en los conflictos en Irak o Afganistán.
Aceptaremos un Rambo sin Sylvester Stallone.
El propio Stallone dejó el personaje hasta que volvió en 2008. Incluso se llegó hablar de un Rambo V, pero parece que abandonó la idea hace un tiempo. “El corazón está dispuesto, pero el cuerpo dice: ¡Quédate en casa!”, dijo Stallone. “Es como luchadores que quieren un último combate y salen machacados. Lo dejamos en manos de otras personas”.
También hay planificada una serie de televisión.
La propuesta de “Rambo: New Blood”, la serie de televisión de Fox, giran en torno al hijo del personaje que nunca se ha visto. Aunque el propio actor no lo tiene muy claro. “No quiero ponerlo en entredicho”, dijo Stallone. “Pero es delicado de reemplazar un personaje así por su hijo. He visto el hijo de Tarzán, el hijo de King Kong. Es una premisa muy difícil”.
No se sabe mucho qué planes tiene para la serie. Ya que se anunció y desde entonce no ha existido ningún movimiento nuevo.
Predicciones para el reboot de Rambo.
Todo el mundo ya sabemos lo que pasará. Intentarán hacer algo a las películas originales de Rambo. Harán un poco de ruido. Pretenderán que sea un trilogía. Pero la primera fracasará miserablemente y abandonarán esa idea. Habiendo machacado la juventud de muchos espectadores que disfrutaron con esos films.
Probablemente, esta es una de las historias más atractivas que Marvel ha ideado para el Doctor Extraño.
Esta obra, titulada Doctor Extraño: Dentro de Shamballa, surgió en los años ochenta de la mano del guionista J.M DeMatteis (autor de una de las historias más importantes de Spiderman: La última cacería de Kraven) y del dibujante Dan Green. Por aquel entonces, el mundo occidental estaba obsesionado con los misterios del mundo oriental y, por consiguiente, con sus creencias religiosas.
Muchos de sus mitos, fueron adaptados para crear historias en la literatura pulp, puesto que, en ese momento, era un modo muy sencillo de darse a conocer y conseguir dinero para los autores. Al mismo tiempo, el mundo del cómic estaba pasando por una etapa de transición en la que se contemplaba la posibilidad de dar otro tipo de ambientaciones a los cómics y una mayor libertad a los autores para crear sus pequeñas obras de arte. Además, se empezaron a abrir un montón de librerías especializadas solo y exclusivamente de cómics, por lo que el cómic -americano, concretamente- estaba teniendo una expansión notoria.
En un contexto así, el guionista DeMatteis decidió crear una historia ambientada en oriente con el personaje más místico y misterioso de Marvel: el Doctor Extraño. Una historia que, hablando en plata, le venía como un guante al personaje, puesto que se trata del Hechicero Supremo.
En sus inicios -y a modo de introducción del personaje-, Stephen Strange era un cirujano con un ego abismal que solo y únicamente, atendía a los pacientes que él creía que eran merecedores de sus maravillosas manos. Hasta que un buen día tuvo un accidente de coche que le dejó las manos destrozadas y no pudo continuar con su oficio de médico. Sin saber qué hacer, decidió ir al Himalaya en busca de un hombre llamado “Anciano” para que le curase físicamente, pero obtuvo algo mucho mejor.
En Doctor Extraño: Dentro de Shamballa, Strange acude al Himalaya, de nuevo, para rendir homenaje a su difunto maestro. Una vez allí, Hamir, un sirviente de su maestro, le entregará una caja que le conducirá hasta el reino de Shamballa, donde se le explicara que debe purgar el mundo para que este empiece su Era Dorada. Para ello, deberá reunir tres fragmentos de un hechizo olvidado para iniciar la purga. DeMatteis, pues, planteó una de las misiones más importantes del Doctor Extraño.
La historia, como podréis ver, no parece demasiado difícil de entender, pero os puedo asegurar que su lectura requiere la concentración total del lector, porque se tratan temas que, probablemente, sean desconocidos para la mayoría de occidentales, como el hinduismo y el budismo. Hablaremos de la cuna del misticismo y la espiritualidad en todo su esplendor, acompañando al propio maestro de las artes místicas.
DeMatteis narra la historia de un modo distinto, no hay mucho diálogo en este cómic. Más bien se nos narra la historia como si de una novela se tratase, viñetas con grandes textos en los que se nos describe la situación espiritual que está viviendo el protagonista. Del mismo modo, se nos introduce en el mundo oriental explicando lo básico: pinceladas de la mitología hindú y budista, así como otras leyendas como la Atlántida y Mu. Nunca está de más aprehender la cultura de otro continente. Máxime, cuando lo hacemos mediante el bueno de Stephen Strange.
El dibujo, a manos de Dan Green, es bastante irregular y no sigue las estructuras clásicas de cómic -recordad que estamos en una época de cambio y evolución- por lo que, para muchos lectores, esto puede resultar poco atractivo y les eche atrás a la hora de querer leer este cómic. Pero os aseguro que merece la pena, solo tenéis que cambiar el chip mientras estáis con él. Las viñetas son totalmente aleatorias en cuanto a tamaño, únicamente ambos artistas se molestan en plasmar aquello que les interesa: el camino al Shamballa. El dibujante, además, consigue trasladarnos de un lugar a otro con un asombroso manejo de los colores y de las formas, representando lugares como Nueva York, la selva de Yucatán o Gran Bretaña. Pasando de uno al otro como si él mismo los conociera como la palma de su mano.
A veces, los propios relatos de Marvel -o de cómic, en general- también pueden transportarnos a lugares y culturas completamente desconocidas y levantar interés al espectador acerca de ella. Doctor Extraño: Dentro de Shamballa es un cómic que, aún teniendo una estructura completamente distinta, merece ser leído para aquel que sean realmente un fan de las historias en viñetas. Aquí os dejamos la crítica del reciente largometraje de Doctor Strange (Doctor Extraño), el reciente estreno de Marvel Studios en cine.
¿Quién dijo que las segundas partes nunca fueron buenas? Pues ya vamos teniendo varios ejemplos donde esta máxima no se cumple y ‘Aliens: El regreso’ entra en esa categoría
‘Aliens: El regreso’ es uno de esos títulos a los que hay que acercarse de vez en cuando y mantenerlo en la memoria, ya que ha envejecido estupendamente a pesar de haberse cumplido ya 30 años desde su estreno
El argumento
En ‘Aliens: el regreso’, Ripley ha sido hallada y rescatada en las profundidades del universo donde quedó vagando tras la batalla en la Nostromo a bordo de una nave de escape. Tras su rescate es informada de que ha pasado 57 años en hibernación y que su hija ya ha fallecido.
Unos misteriosos mensajes desde la colonia LV-426 despiertan el interés de la Weyland (empresa para la que trabajaba Ripley) y es contratada de nuevo para ir a una misión junto a los marines y rescatar a los supervivientes de la colonia. Los motivos de tal misión para la Weyland no son tan honestos, ya que la compañía pretende capturar ejemplares de la misteriosa raza descubierta por Ripley y la tripulación de la Nostromo. Los monstruos no son más que una nueva arma que desean tener en su poder. Y como no podía ser de otra forma la expedición es más complicada de lo que en un principio parece a pesar de contar entre sus filas con los mejores y más valientes marines del espacio.
La secuela llegó gracias a James Cameron
‘Alien, el octavo pasajero’ se rodó a finales de los años 70, y si bien no fue un éxito comercial en el momento de su estreno, la aparición de los videoclubs puso a la película en su sitio, aupada a la categoría de título culto y con millones de fans. James Cameron, cautivado por la obra de Ridley Scott, se empeñó en rodar la segunda parte y para ello se encerró en su casa durante cuatro días y hasta que no tuvo un primer borrador de la posible secuela no salió de ella. El guión fue presentado a la FOX, propietaria de los derechos de Alien, estudio que en un principio desestimó la grabación ante el insuficiente éxito del original.
Inmerso ya en la dirección de ‘The Terminator’, Cameron siguió con el guión y lo volvió a presentar a los dirigentes de la Fox, quienes le prometieron que rodaría ‘Aliens’ si ‘The Terminator’ tenía éxito. Y así fue como la secuela de ‘Alien, el octavo pasajero’ pudo ver la luz.
Quizá el cambio de tono de la película, que pasaba del horror y el terror a partes iguales de la primera hacia la acción mezclada con el terror, pudo influir en el éxito de esta segunda entrega. No obstante, bajo mi punto de vista, influyó más el hecho de que James Cameron cogiera la batuta de la dirección y se encargara del argumento. Cameron es uno de los mejores directores rodando escenas de acción y además saca partido a los actores (Schwarzenegger es una buena muestra de ello) y aprovecha al máximo limitados presupuestos (y eso que en sus últimas películas no podemos hablar precisamente de ajustados presupuestos). Por aquel entonces Cameron fue capaz de sacar partido a los decorados, los titiriteros, el maquillaje… para sacar a la luz dos grandes películas como ‘The Terminator’ y ‘Aliens’.
Las criaturas
Si bien en la primera película de Alien se nos planteaban muchos misterios y la criatura apenas aparecía, en de Cameron no solo se muestra por completo y salen varios ejemplares, sino que además se esclarecen varios detalles que no quedaron claros antes. Uno de ellos, y el más importante, es la aparición de una reina de los ‘xenomorphos’ con una envergadura cercana a los cinco metros y que continuamente pone huevos para que sus guerreros traigan víctimas que puedan ser incubadas con las larvas que se introducen en el interior de sus cuerpos.
La reina fue uno de los retos de la película. Diseñada por el estudio de Stan Winston, fue reproducida a tamaño real (no se usaron maquetas) y manejada con cables, mecanismos hidráulicos y hasta cerca de 18 personas que debían de colaborar para que el movimiento pareciera natural. Algo muy difícil, pues dicha reina medía 4.26 metros.
El casting
Otro de los aciertos de Cameron en ‘Aliens: el regreso’ residió en el ‘casting’. Aunque fue rodada en los británicos estudios Pinewood, James quiso que los actores hablaran con un marcado acento estadounidense y contrató a varios actores de aquel país como Lance Henriksen, Bill Paxton y Michael Biehn. Este último, en realidad, no firmó hasta el final. Ya se llevaba una semana de rodaje cuando llegó a los estudios. En un principio el personaje de Biehn iba a interpretarlo James Remar, pero en el primer día de rodaje Cameron tuvo una fuerte discusión con el citado actor, por lo que decidió apartarlo y contrató a Michael para sustituirlo. Durante el rodaje Cameron casi no hizo otra cosa que pelearse con todo el personal británico, pues lo veían demasiado joven y creían que no estaba a la altura de su predecesor, Ridley Scott.
Este fue uno de los motivos por los que Biehn no participó en la preparación de los marines que aparecen en la película. Dicho entrenamiento consistió en más de dos semanas de intensa preparación militar que incluía desde el duro ejercicio físico hasta detalles como los saludos. Uno de los instructores fue Al Mathews, el primer sargento de color del ejército estadounidense. Su trabajo gustó tanto a Cameron que el cineasta decidió incluirlo en la película como el sargento Apone, el líder de los marines.
Sigourney Weaver, si o si
Además de los actores ya mencionados tenemos por supuesto a Sigourney Weaver. Pero no fue nada fácil incluirla en la secuela. Los propietarios de la Fox llegaron a pedir a Cameron que escribiera un guión en el que Ripley no apareciera, ya que Weaver pedía un salario muy alto (multiplicaba por 30 lo percibido en la entrega anterior) y en el estudio no estaban dispuestos a pagárselo. El empecinamiento de Cameron pudo más.
Menos es más
Otras de las muestras de ingenio del director y del equipo de efectos especiales en ‘Aliens: el regreso’ se evidenció en que con tan solo seis trajes del alien, y gracias al montaje de escenas (aún no existía el CGI), parecía que había un auténtico batallón de monstruos. Por motivos presupuestarios, la escena en la que aparece toda la expedición de rescate hibernando en sus cápsulas estuvo a punto de no rodarse. La creación de estas cápsulas era muy costosa y se optó por construir solo cuatro y recurrir al viejo truco del espejo para dar la impresión de que había más. Los aliens de esta segunda parte eran más rápidos y violentos que en la película de Scott, por lo que se introdujeron ciertas modificaciones en los trajes y se contrató a verdaderos gimnastas para llevar a cabo los movimientos.
British Airways estaba por aquel entonces en plena renovación de equipos. Resulta curioso que los responsables de los efectos especiales recurrieran a los restos cedidos por la compañía aérea para crear el impresionante vehículo APC en el que se desplazan por tierra los marines e incluir en las estancias de la nave ciertos elementos como el retrete de un Boeing 747.
La banda sonora
La música corrió a cargo del compositor James Horner, quien acabó disgustado con Cameron porque le parecía que rodaba en poco tiempo y que, en consecuencia, no podía componer adecuadamente la música. De hecho tuvo que adaptar piezas de otras bandas sonoras de películas, por ejemplo de ‘Star Trek. En busca de Spock’. Horner aseguró que no volvería a colaborar con Cameron, promesa que incumplió al trabajar de nuevo juntos en ‘Titanic’. ‘Aliens: el regreso’ es una de las mejores películas que combinan ciencia ficción, acción y terror a partes iguales.
Con un presupuesto de 18,5 millones de dólares la obra logró recaudar en todo el mundo cerca de 130 millones. Lo que supuso el impulso definitivo de su director hacia el estrellato.
‘Aliens, el regreso’ nos dejó una frase mítica muchas veces repetida: “Aléjate de ella, ¡zorra!”
Una semana después, el tráiler de Logan sigue generando comentarios. La última película de Hugh Jackman como Lobezno ha sorprendido al apostar por una estética muy diferente al del resto de cintas de los X Men, con un toque preciosista y melancólico acompañado de Johnny Cash. A la espera de ver el resultado final, nadie duda ya de que los tráilers han pasado de ser instrumentos de promoción de una película, a auténticas obras de arte que en ocasiones superan en calidad a los productos que anuncian. Esto es evidente sobre todo en los últimos años, donde cada vez tenemos una oferta más amplia que ha llevado a una mayor competencia en los cines y menos tiempo para recuperar su inversión. Muy lejos quedan ya casos como el primer teaser de El Imperio Contraataca que solo contenía un par de concept arts de Ralph McQuarrie: los nuevos tráilers apuestan por sensaciones y money shots, eliminando cada vez más a los viejos narradores e incluso los diálogos. Y es que como comprobaremos en la lista que os traigo hoy, lo que hace a un tráiler memorable es la mezcla entre exposición y promesa, como bien indica la palabra inglesa tease y que no solo se traduce como “mostrar”, sino también como “seducir”.
Godzilla (1997)
Claro que eso también tiene sus contras, como cuando a finales de los novela Roland Emmerich presentó un cortometraje grabado exclusivamente para promocionar la película del lagarto gigante que juega con la escala del monstruo a la vez que se ríe del Tiranosaurio de Jurassic Park. Se trató de un tipo de marketing agresivo muy popular en Estados Unidos que se basa no solamente en nombrar las virtudes de tu producto sino aplastar (aquí literalmente) a la competencia. Fue una buena idea que sirvió para aumentar la expectación, pero que se quedó en nada cuando descubrimos que la película era bastante mala.
Godzilla (2014)
Godzilla nació como una representación de los brutales bombardeos sobre Hiroshima y Nagasaki que los japoneses sufrieron a finales de la Segunda Guerra Mundial, convirtiendo conceptos tan abstractos como la radiación y el átomo en un monstruo imparable. Así que entendemos por qué este teaser, presentado en la Comic-Con de 2012, es tan impactante. De nuevo no cuenta con ningún plano de la película porque cuando se mostró aún no se había rodado, pero sí imágenes de desolación acompañadas de la voz de J. Robert Oppenheimer, explicando qué sintió cuando por fin crearon la bomba atómica, en particular su cita de un texto sagrado hindú en el que decía “ahora me he convertido en muerte. El destructor de mundos”.
Terminator 2
Este pequeño cortometraje dirigido por el genio de los efectos especiales Stan Winston no se proyectó fuera de los Estados Unidos porque James Cameron pensó que podría dar lugar a malentendidos sobre la dirección de la película. Nos muestra una cadena de montaje de los célebres organismos cibernéticos en el que incluso podemos ver cómo se les aplica el recubrimiento de carne humana. Jugaba con la idea de que las máquinas eran imparables, ya que una vez destruido el Terminator original enviarían otro, y luego otro. Y aunque Terminator 2 sigue siendo una de las mejores películas de todos los tiempos, este pequeño avance se las ingenió para ser mucho más interesante que las secuelas tardías de Salvation y Genisys.
El resplandor
Tres días tardó Kubrick en conseguir el plano perfecto de la escena en la que un torrente de sangre sale de los ascensores del Overlook. Sorprende mucho más cuando sabes que el director era tan obsesivo con los detalles que hacía repetir cientos de veces las mismas tomas, llegando a provocar crisis nerviosas en sus actores. Tan icónica es, que este teaser no necesita más que la imagen y una música ambiental desasosegante para meternos de lleno en el mundo limpio, blanco y amplio de El Resplandor.
Por cosas así, y no por su fidelidad a la novela de Stephen King, se la considera la mejor película de terror de todos que jamás se ha hecho en base a la famosa “formula del terror”.
Kill Bill
Este avance de Kill Bill se estrenó cuando la película aún no estaba dividida en dos volúmenes debido a su larga duración, y también nos deja ver alguna escena que no llegó al montaje final. Tarantino nos metió de lleno en su exuberante universo lleno de espadas japonesas, asesinos enmascarados, y resucitó el chándal de Bruce Lee con el que Uma Thurman entraría en el Olimpo del cine de acción. Desde entonces, la banda sonora que podemos escuchar en el tráiler y la estética “cool” han sido más que imitadas sobre todo en la publicidad, y es fácil entender por qué.
Alien
Podemos encontrar muchas similitudes con el tráiler de El Resplandor. Aunque se apoya en imágenes que no pertenecen a la película, luego aparece un montaje rápido y agobiante al ritmo de una sirena que sobrecogió a los espectadores que habían alucinado dos años antes con Star Wars. Iniciando un tópico de no mostrar al monstruo por completo (para eso para la entrada de la película), nos adentramos en el escenario agobiante y opresivo de la Nostromo. Lo más inquietante es el plano final donde vemos lo pequeña que es la nave y lo lejos que están de toda ayuda posible, acompañada de una de las mejores frases promocionales posibles: En el espacio, nadie puede oír tus gritos.
Superman Returns
Bryan Singer abandonó a los X-Men para dirigir este remake encubierto de la cinta de 1978 protagonizada por Christopher Reeve, que intentaba revitalizar una franquicia que había llegado a extremos absurdos unos años antes (buscad en Youtube la experiencia que Kevin Smith tuvo trabajando en Superman Lives). El resultado fue una buena película con algunas ideas bien llevadas, pero no fue el éxito que esperaban. Su secuela, que iba a haberse titulado Man of Steel, se convertiría finalmente en el reboot que todos conocemos y que buscaría distanciarse lo máximo posible de las anteriores. Pero el teaser en el que jugaba con la figura del mito y reutilizaba no solo la música de John Williams, sino a Marlon Brando como Jor-el, sigue poniéndome los pelos de punta.
El Señor de los Anillos: Las Dos Torres
Épica como solo puede ser la adaptación de la obra de Tolkien, Las Dos Torres no es solamente la mejor película de la trilogía, sino que contó también con un grandísimo tráiler a ritmo de Requiem for a Dream, que consiguió así convertirla en la canción de moda para todo tipo de tráilers, anuncios o programas de televisión. Con Frodo y Sam abandonados a su suerte a las puertas de Mordor o la batalla del Abismo de Helm, cuesta imaginar un acto más varonil que el de Aragorn al abrir ambas puertas.
Tron: Legacy
Tron es una película de culto, una de esas que nadie vio (sí, he utilizado ese chiste de Los Simpsons), pero que tenía un estilo muy particular. También se convirtió en una de las películas que mejor aprovecharía la efímera moda del cine en 3D al buscar una excusa argumental para ello. Las tres dimensiones solo aparecerían los protagonistas se adentran en La Red, un mundo digital tan particular que parecía una buena idea hacer una nueva versión. Este es otro de esos casos de cintas que estaban destinadas a algo más, pero que no conocieron continuación cuando los estudios pensaron que el margen de beneficios no era tan alto como esperaban. Y una vez más no se trata de un tráiler, sino de un test de pantalla que Disney publicó para ver si atraía la atención del público.
Watchmen
Adaptar Watchmen significaba meternos de lleno en el lado más hardcore de los cómics de superhéroes. El resultado fue una adaptación casi literal de las viñetas donde la melancolía de la obra de Alan Moore se mantenía mientras se eliminaba al extrañísimo pulpo espacial del final. Al margen de lo satisfechos que quedaran los fans, este tráiler consagró al director como un ingeniero capaz de controlar al milímetro el aspecto visual de sus películas, y también de recordarnos cómo han influido los videoclips en muchas de las producciones de hoy día.
Gladiator
El estilo del tráiler de Watchmen sobresale aún más cuando recordamos cómo eran los avances en los noventa. Más texto, abundancia de voces en off que nos explicaban la trama, pero en el caso de Gladiator, una épica como pocas veces se había visto en la pantalla. La historia de Máximo hizo resurgir el péplum cuando todos lo daban por extinto, pero ninguna cinta de las que vinieron después (Troya, Alejandro Magno, El Rey Arturo…) estaría a su altura. Al menos nos quedamos sin esa secuela en la que Máximo resucitaba para convertirse en un soldado inmortal al servicio de los dioses.
300
La clave para salvarse de la maldición de Gladiator resultaría estar en huir del realismo de la cinta de Ridley Scott y adaptar sin pudor el estilo exuberante del cómic original de Frank Miller, lleno de personajes imposibles y creaciones oníricas que se entienden solo al final de la película porque a lo que asistimos es a la visión idealizada de la batalla de las Termópilas contada por uno de sus supervivientes antes de lanzarse a la ofensiva final. Dura, masculina, sensual y violenta, 300 era incapaz de dejarte indiferente.
Star Trek (2009)
Si tuviera que elegir uno solo de esta lista como el mejor tráiler de la Historia, me quedaría con el tercer avance de Star Trek, el reboot de la saga dirigido por J.J. Abrams. No solo es espectacular, es un ejercicio casi perfecto de narración visual. Todo está calculado, todo está pensado, y que Kirk y Spock se miren a los ojos antes de accionar juntos los mandos de la Enterprise y perderse en el espacio no es casual. Este es un gran ejemplo de cómo un tráiler puede emocionarte y dejarte con ganas de más, que es su función.
Gears of War
El único videojuego de la lista. Y no es porque no haya otros que se lo merezcan, sino porque este influyó en decenas de títulos que cambiaron la acción frenética por la melancolía de Mad World. Uno de los casos más obvios sería Battle: Los Ángeles, una olvidable película de alienígenas protagonizada por Aaron Eckhart.
X Men: Days of Future Past
First Class es superior en todos sus aspectos y también cuenta con un buen tráiler, pero aquí prima el concepto de poder ver, por fin, a las dos generaciones de actores que encarnaron a los mismos personajes frente a frente. En una época de remakes, es toda una curiosidad poder ver las dos visiones plegándose una sobre la otra, aunque tengamos que aguantar un empacho de Lobezno por la manía de Singer de meter a Jackman en el centro de todas las películas. Lo más interesante el profesor Xavier pidiéndole a Logan que ayude a su versión joven. “Guíame. Sé paciente conmigo”. El plano final no aparecería en el montaje final, pero es impresionante. Quizá ayude un poco la banda sonora de Sunshine y la de Inception. Esta última, por cierto, también debería estar en esta lista aunque fuese por los efectos de sonidos que todo el mundo plagió.
Star Wars Episode VII: The Force Awakens
El primer plano de este tráiler muestra un destructor imperial estrellado en el desierto. El segundo, el casco calcinado de Darth Vader. El tercer, a Luke Skywalker llorando a los pies de R2-D2. Podría decir mucho más, pero creo que os hacéis a la idea. Abrams también dejó una franquicia a medias para iniciar otra y captó la esencia de Star Wars introduciendo nuevos personajes y trayendo de regreso a otros emblemáticos. El resultado fue como encontrarnos con unos viejos amigos a los que habíamos echado mucho de menos, y un universo del que el propio George Lucas casi se había olvidado en sus precuelas. ¿Por qué si no aparece Han Solo al final para decirnos: Chewie, estamos en casa?
The Dark Knight
“Has hecho que las cosas cambien, para siempre”. Al final de Batman Begins nos dimos cuenta de que aquello no iba a ser una cinta aislada centrada en contarnos los orígenes del murciélago. El comisario Gordon mostraba una carta en la que intuíamos que todos los villanos famosos de Batman, incluyendo el Joker, estaban ahí fuera. Fue de las primeras en romper con la idea de que cualquier tiempo pasado no solo fue mejor, sino intocable, pero también propiciaría la plaga de reboots “serios y oscuros” que nos llegan incluso hoy. En El Caballero Oscuro, Gotham era más realista que nunca, y cambiamos al Joker guasón por el psicópata que siempre tuvo que ser. Una lástima que Heath Ledger muriera días después de la salida de este tráiler, en el que se ganó la admiración del mundo entero.
Logan
El último en sumarse a la lista es el que he mencionado al inicio de esta entrada. Aprovechando el éxito de Deadpool, Lobezno no tendrá reparos en desatar toda su violencia en una cinta calificada R, algo que hace un par de años era rechazado de plano porque una película para adultos aleja al goloso público infantil. Lo más interesante es el tema Hurt, de Johnny Cash, una de las canciones más tristes que existen y que habla del inevitable final. Y un sentimiento así es el que cubre este avance en el que nos muestran cómo todos los mutantes han desaparecido, y el poco tiempo que les queda a los que aún continúan aquí. Al igual que los tráilers anteriores, poco importará la calidad de la película, pues siempre nos quedará este increíble avance que se verá durante años.
El creador de ‘The Walking Dead’ explica por qué murieron los personajes que murieron en el primer episodio de la séptima temporada
The Walking Dead está a la orden del día. Y no podía ser menos. El estreno de la séptima temporada ha sido un éxito rotundo para AMC. Casi 17 millones de espectadores tuvo la cadena de televisión en Norteamérica sufrió las consecuencias de Negan. Poco menos de un año en vilo para saber las víctimas de Lucille. Ahora, ya las tenemos y la gente se ha echado encima de los creadores de la serie. Precisamente su máximo representante, Robert Kirkman (guionista de los cómics en los que se basa The Walking Dead), ha defendido la caída de uno de los personajes más queridos por los espectadores de la serie de televisión: Glenn.
Robert Kirkman: “Era esencial que la escena se mantuviera intacta, desafortunadamente”
Esta ha sido la explicación de Kirkman sobre la muerte de Glenn en EW:
La muerte de Glenn en los cómics también ha generado mucho material. Mientras que intentamos cambiar algunas cosas para mantener el interés de la audiencia, para mí, en este caso, hay cosas que suceden entre Rick y Negan porque este personaje es asesinado. Por supuesto, Maggie se sitúa en este momento en el centro de la acción y la muerte de Glenn afectará al desarrollo de muchos personajes e historias. Era esencial que parte de la escena se mantuviera intacta, desafortunadamente.
Esta justificación es el resultado de miles de quejas por el capítulo 7×01. Muchos seguidores han considerado como “demasiado cruel” el desenlace de Glenn en la serie. Violencia desmedida, violencia gratuita, innecesario… Expresiones, todas ellas, ligadas a un capítulo que ya forma parte de la historia de la televisión.
¿Qué va a pasar ahora en ‘The Walking Dead’?
Mucha gente se pregunta cómo afrontarán los protagonistas estos cambios. No solo las muertes de Abraham y Glenn, sino el hecho de que Rick haya sido theongreyjoyizado. Es decir, trastornado psicológicamente. Lo cierto es que el arco argumental que se espera esta temporada es el protagonismo de Negan y el grupo de Rick haciendo frente al nuevo status quo.
No desvelaremos nada de la trama en los cómics, pero si os ha gustado Negan vais a tener personaje para rato. Queda mucho por saber, ya que a pesar de conocer lo sucedido en los cómics la serie funciona por libre. The Walking Dead tendrá que seguir. Sin Abraham. Sin Glenn. Pero con muchas incógnitas por resolver y con una palabra en mente: venganza.
‘Dark Universe’ adaptará la Liga de la Justicia Oscura de DC Comics en la gran pantalla de la mano de Doug Liman
Aún no hay fecha oficial por parte de Warner, pero Dark Universe está en la agenda. El proyecto de la Liga de la Justicia Oscura estuvo ligado a Guillermo del Toro, pero finalmente será Doug Liman (El caso Bourne, Edge of Tomorrow) el director la película más peligrosa del DC Extended Universe (DCEU). ¿Y por qué creemos que es la más peligrosa? Os lo contamos a continuación.
Colección de antihéroes relacionados con magia oscura y temática mística
Aunque Escuadrón Suicida sí hizo funcionar a todos los personajes (en mayor o menor medida) y no eran precisamente héroes de DC Comics, Dark Universe tendría que hacer frente a una colección de antihéroes con una personalidad compleja y alejada del tono de caos y locura del filme dirigido por David Ayer. Entonces, ¿cómo presentar a tantos personajes mágicos en el DCEU? ¿Cómo hacer que interaccionen de tal modo que sus personalidades queden desarrolladas?
Dark Universe presentaría a personajes tan icónicos como John Constantine, la Cosa del Pantano, Espectro, el Fantasma Errante, Madame Xanadú. Y algún que otro más del elenco oscuro de las viñetas de DC. Solamente con Constantine ya tendríamos para una película en solitario. ¡Por no hablar de la profundidad que tiene el álter ego vegetal de Alec Holland! Combinar todos estos elementos puede ser un peligroso cóctel para Warner. Para todos aquellos espectadores no lectores podría difícil de digerir. Y, además, incluiría el mundo de la magia en el DCEU. Con todas sus consecuencias, por supuesto. Como que Superman siempre ha tenido debilidad a la magia, además de a la kryptonita. Su director, sin embargo, tiene claro que puede hacer funcionar la maquinaria.
Los planes de Doug Liman para ‘Dark Universe’
En una entrevista concedida para IGN, Doug Liman ha hablado sobre los planes que tiene de cara a plantear o planificar Dark Universe. Estas han sido sus palabras al respecto:
En primer lugar, he de decir que me encantan todos estos personajes y adoro tanto a Warner Bros. como al productor Scott Rudin. Me llamaron para entrar en este proyecto y hacer cosas que no sean convencionales. Si la gente hubiera querido algo normal no me habrían llamado. Warner Bros. se puso en contacto conmigo porque querían poner en marcha algo que diera una vuelta de tuerca al género de adaptaciones de cómics.
Con estas declaraciones, Liman da a entender que -evidentemente- va a trabajar con personajes muy extraños para el público general y que, del mismo modo, su planteamiento no va a ser algo convencional. Es un buen punto de partida, teniendo en cuenta que en sus manos está posiblemente la película más compleja del futuro DCEU. Dark Universe todavía es una expectativa más que una realidad, pero el horizonte está ahí.
Ni siquiera Andrew Garfield sabía la respuesta a este misterio en The Amazing Spiderman. Es más, tampoco lo conocían los “filmmakers”
The Amazing Spider-Manincluyó una escena en los créditos finales en los que aparecía un misterioso hombre con un sombrero junto a Curt Connors. Posteriormente, en la segunda película de esta saga volvíamos a verle, pero esta vez hablando con Harry Osborn. En este sentido, Marc Webb lo llegó a identificar como Gustav Fiers, un oscuro personaje de Spider-Man, que poco o nada tenía que ver con lo que veíamos en la pantalla. Sin embargo, el plan original era que este personaje fuera Electro.
De todas formas, lo que está claro es que iba a ser un personaje importante, pero en una reciente entrevista con, Andrew Garfield admitió que ni siquiera él sabía de quién se trataba. “No sé si los creadores de la película sabían quién era ese personaje. No lo sé. Y sigo sin saberlo“. “Las buenas noticias son que ahora ninguno de nosotros lo va a saber, porque esa versión de Spiderman no salió adelante. Ahora está Tom Holland, que creo que está realizando un gran trabajo“, señaló el actor británico.
Sinopsis de The Amazing Spiderman 2
Ser Spider-Man (Andrew Garfield) es asombroso. Para Peter Parker no existe una sensación comparable a balancearse entre los rascacielos, convertirse en superhéroe y pasar tiempo con Gwen (Emma Stone). Pero ser Spider-Man también conlleva un precio: sólo Spider-Man puede proteger a los neoyorquinos de los poderosos villanos que amenazan la ciudad. Y con el nacimiento de Electro (Jamie Foxx), Peter se ve obligado a luchar contra un enemigo mucho más fuerte que él. También vuelve su antiguo amigo, Harry Osborn (Dane DeHaan), y entonces es cuando Peter se da cuenta de algo que tienen en común todos sus enemigos: OsCorp.
Los acontecimientos en los últimos días respecto al abandono de Tim Miller en la dirección de Deadpool 2 han sido muy rápidos, y la 20th Century Fox ya tiene pensado el nuevo director
Pese a que la secuela de Deadpool perdió a su director, Tim Miller, hace ya una semana, la 20th Century Fox ya tiene pensado su sustituto según Mashable. Se trata del co-director de John Wick, David Leitch, que tendrá que tener en cuenta las exigencias de Ryan Reynolds a la hora de realizar el filme.
Los detalles sobre el abandono de Miller todavía no están muy claros, pero todo parece indicar que Reynolds y Miller discutieron debido a que el director quería hacer una película con mucho más presupuesto para acercarse a las típicas películas de superhéroes de Marvel. Sin embargo, el actor no estaba dispuesto a eso, ya que quería que la secuela se parecía a su antecedente, con un presupuesto escaso y donde el valor estuviera en el humor y la forma característica de actuar de este héroe. Deadpool 2 todavía no tiene fecha de rodaje, pero sí que comenzaron los primeros tests para incorporar a una actriz que de vida a Domino.
Leitch es conocido por su trabajo como coordinador en algunas películas como Blade, Fight Club, Daredevil y X-Men Origins: Wolverine. Recientemente, Leitch ha trabajado también en grandes filmes como The Wolverine, Jurassic World y Captain America: Civil War.
Como director, Leitch ha coordinado la aclamada John Wick con Chad Stahelski, y recientemente completó The Coldest City, que se estrenará en el verano de 2017.
¿Os gusta este director para llevar a cabo el proyecto de Deadpool 2? ¿Qué opináis de la disputa entre Reynolds y Miller? ¿Creéis que la secuela será de menor éxito que la primera entrega? Dejad todas vuestros opiniones al respecto en los comentarios.
Rodrigo Sorogoyen articula en ‘Que Dios nos perdone’ un notable ‘thriller’ de personajes determinado por el entorno
El cine español ha incidido con mayor intensidad en el ‘thriller’, terreno que favorece la diversificación temática y que a priori potencia su dimensión comercial con el sugerente matiz de que permite integrar entretenimiento e intencionalidad discursiva. Aunque toda tendencia termina por adquirir con el tiempo efectos perversos (y un primer síntoma se percibe en que solo parecen aflorar este tipo de propuestas), de momento solo cabe reconocer el nivel de producciones como ‘Que Dios nos perdone’, la notable primera incursión de Rodrigo Sorogoyen en el género. La obra expone la tensa y obsesiva búsqueda de un asesino en serie por parte de dos inspectores y trasciende su condición argumental al conjugar con habilidad y criterio el interés por la trama criminal con el que suscitan los retratos de los protagonistas, unos estupendos Antonio de la Torre y Roberto Álamo.
El primero encarna a un profesional demasiado meticuloso que tiene problemas de interacción social derivados de su tartamudez. Solitario, esconde una profunda necesidad afectiva que le lleva a la impulsividad. En contraste, su compañero es un hombre vehemente, iracundo y conflictivo al que le afecta su situación familiar. Ambos perfiles resultan reconocibles y responden a arquetipos bien descritos.
En paralelo emerge un factor determinante: la sensación que transmite el ambiente sucio, feo, viejo, caluroso y decadente que envuelve la investigación, desarrollada el verano de 2011 en Madrid. Sorogoyen remarca este aspecto y desliza detalles acerca de la realidad española. La fecha remite al momento más crudo de la crisis socioeconómica que aún padecemos. En paralelo se suma el sórdido hecho de que el hombre al que persiguen viola y asesina a ancianas. La alusión a la visita del Papa de aquel año no influye en la trama y solo constituye un elemento circunstancial enfocado a la contextualización.
Sorogoyen cuida la narración, el tono y la dirección de actores (cabe mencionar también el trabajo de los secundarios) y se apoya en un buen guion, escrito junto a Isabel Peña, con quien ya colaboró en ‘Stockholm’.‘Que Dios nos perdone’ recibió, en el citado apartado, el premio del jurado en la 64 edición del Festival de San Sebastián y fue uno de los largometrajes de la sección oficial mejor valorados por la crítica. El dominio expositivo se manifiesta en que la historia muestra y explica la figura del antagonista en el momento apropiado así como en la acertada integración de leves apuntes de humor vinculados a la personalidad de los inspectores y sus reacciones. El tramo final exigía en cambio mayor concisión, si bien conduce a un estimable clímax que añade a la obsesión el peso de la venganza.
Lo mejor: la narración y el tono que aporta Rodrigo Sorogoyen desde un buen guión y el estupendo trabajo interpretativo de Antonio de la Torre y Roberto Álamo.
Lo peor: el tramo final (no así el clímax) se enreda y requería una mayor concisión.
Nuevo videos detrás de las cámaras de la película Assassin’s Creed.
La adaptación del videojuego Assassin’s Creed llegará a las pantallas de todo el mundo este año. Y podemos ver un nuevo vídeo donde se expone el gran trabajo que ha hecho el equipo responsable de la película.
El vídeo se llama Construyendo el Mundo y los protagonistas y director nos cuentan cómo ha sido el rodaje. Podemos darnos cuenta de lo importante que fue todo el trabajo físico del reparto. Ya que querían que se pareciera a los movimientos que los jugadores pueden usar en el videojuego. Para hacer la experiencia en el cine lo más cercana a la famosa saga para ordenadores y consolas.
¿Assassin’s Creed estará a la altura del videojuego?
Gracias a la tecnología revolucionaria del Animus, Callum Lynch (Michael Fassbender) puede acceder a sus recuerdos codificados genéticamente. Así puede revivir las aventuras de un antepasado suyo. Aguilar de Nerja, vivió en la España del siglo XV, durante la inquisición. Pero además pertenecía a una sociedad secreta de Assassins, que gracias a sus habilidades y conocimientos pueden enfrentarse a los malvados Templarios.
La película está protagonizada por el actor Michael Fassbender (‘X-Men: Días del Futuro Pasado’, ’12 Años de Esclavitud’) y Marion Cotillard (‘El Caballero Oscuro’, ‘La Vie en Rose”). En el reparto también destacan Ariane Labed, Jeremy Irons, Brendan Gleeson, Michael Kenneth Williams, Charlotte Rampling, Brian Gleeson, Carlos Bardem, Hovik Keuchkerian, Matias Varela, Denis Ménochet, Mohammed Ali, Javier Gutiérrez, Dino Fazzani, Gabriel Andreu y Megan Affonso.
Dirige Justin Kurzel (‘Snowtown’, ‘Macbet’h), producen New Regency, Ubisoft Motion Pictures, DMC Films y Kennedy/Marshall. Está cofinanciada por RatPac Entertainment y Alpha Pictures y 20th Century Fox se encarga de la distribución.
Assassin’s Creed se estrenará el 23 de diciembre de 2016.
¿Qué os parece la película? ¿Iréis al cine a verla? Dejarnos vuestra opinión más abajo en la sección de comentarios.
Podemos ver el aspecto que podría haber tenido el Joker, Harley Quinn o la Encantadora en ‘Escuadrón Suicida’.
Los Concept Art de ‘Escuadrón Suicida’ que acaba de subir online, son espectaculares, sobre todo el Joker (Jared Leto), Harley Quinn (Margot Robbie) o la Encantadora (Cara Delevingne).
Cuando hacen una película con gran presupuesto, siempre contratan a diferentes artistas para que hagan bocetos y concept arts de como podrían ser los personajes o diferentes escenarios. En las imágenes de Christian Lorenz Scheurer que os dejamos a continuación podemos ver los diferentes aspectos que podrían haber tenido los protagonistas.
Escuadrón Suicida es un éxito de taquilla.
A pesar de que hubo bastantes malas críticas. Los espectadores apoyaron la película ya que recaudó casi 745 millones de dólares en todo el mundo. Pero como hemos podido comprobar en las imágenes de arriba la cosa podría haber sido mucho más diferente. Sobre todo en cuanto respecta al Joker. Que prefirieron hacerlo más visual y con tatuajes por todas partes. En el dibujo parece más terrorífico y solo tiene la sonrisa muy marcada en la cara.
Otro tema aparte es Encantadora. Ya que en la película era muy oscura. En estos bocetos se le ve con mucho más color, brillos y adornos.
El Universo Cinematográfico de DC Comics sigue su camino.
Si este año 2016 hemos visto ‘Batman v Superman: El Amanecer de la Justicia’ y ‘Escuadrón Suicida’, el año que viene (2017) toca la película en solitario de ‘Wonder Woman’ (Junio) y ‘La Liga de la Justicia’ (Noviembre). Mientras que en 2018 serán Flash y Cyborg en conjunto y Aquaman en solitario quienes tengan sus films. mención a parte de la película de Batman ya que todavía no tiene fecha de estreno y podría verse en 2019. En 2020 está planificada una película de Linterna Corps.
Esperemos que cada vez vayan haciendo mejores películas y nos podamos disfrutar con nuestros personajes favoritos de cómics.
El jefe de Marvel comenta cómo llegará Spider-Man a ‘Vengadores: Infinity War’.
Aunque en 2017 veamos una película en solitario de Spider-Man será interesante ver cómo participa en ‘Vengadores: Infinity War’. Costó mucho a que Sony compartiera los derechos cinematográficos con Marvel Studios / Disney. Pero cuando cedieron comprobamos que es un personaje que funciona muy bien con los Vengadores. En ‘Capitán América: Civil War’ se unió al equipo de Iron Man, pero la amenaza de Thanos hará que tengan que juntarse todos de nuevo.
Kevin Feige (Jefazo de Marvel Studios) nos habla de Spider-Man.
“Estamos averiguando en qué situación está Spider-Man. En Civil War solo vimos pequeños detalles del personaje. Spider-Man: Homecoming acaba de terminar su rodaje. Así que el foco está puesto en esta película. Pero estamos hablando todo el rato sobre lo que podría ser divertido para el futuro”.
“En cuanto a la intervención de Spider-Man en la Guerra del Infinito (Vengadores: Infinity War), es parte de la sorpresa. Así que no quiero echar a perder nada por ahora”.
En conclusión todavía falta un montón para esa película y tocará esperar. Primero veremos Doctor Strange, Thor 3 y Guardianes de la Galaxia Vol. 2.
Spider-Man: Homecoming será una de las grandes películas de 2017.
Dirigida por Jon Watts (Coche policial, Clown) cuenta con un reparto encabezado por Tom Holland, Robert Downey Jr, Michael Keaton, Marisa Tomei, Zendaya, Tony Revolori, Laura Harrier, Michael Barbieri, Logan Marshall-Green, Donald Glover, Tyne Daly, Kenneth Choi, Martin Starr, Hannibal Buress, Abraham Attah, Michael Mando, Bokeem Woodbine y Jona Xiao.
Todavía no se sabe mucho sobre el argumento de la película, pero Peter Parker (Tom Holland) deberá lidiar con su vida en el instituto a la vez que lucha con los villanos de Nueva York como el Hombre araña. Tony Stark le ayudará a ser un mejor héroe.
Spider-Man: Homecoming se estrenará el 7 de julio de 2017.
